miércoles, 26 de diciembre de 2007

Ven, te invito a está fiesta...

Santas Conmemoraciones
Publicado en Revista Marvin

Las fiestas no son actos ordinarios, pertenecen a un plano diferente, al de la identidad cultural y social. Son actos de libertad y de unificación, que buscan un equilibrio entre la abrumadora monotonía y la búsqueda de nuevas experiencias. México, es un país cuya unidad, no se da en la política, huelgas, crisis económicas, no, se da en las celebraciones, llámense religiosas, futboleras, familiares o históricas. Pero, todas éstas, llevan un trasfondo, un ritual previamente establecido, un significado que le da el valor a un pueblo, colonia, estado o comunidad.

Las fiestas, son acontecimientos que involucran a toda una comunidad y a su región. Una forma expresiva que cohesiona lazos culturales, históricos y sociales con gran amplitud. Poseen una energía desestabilizadora, terapéutica, sensual, erótica, que juega con el humor, la risa, la parodia, el placer, la mirada, el descanso y con la mentira en la experiencia humana que se encuentra reprimida y se vuelve la catarsis del pueblo

No hay un día sin fiesta

Día a día, distintas celebraciones se presentan en el país. México alberga alrededor de 5,083 fiestas tradicionales, cada una con una amplia visión del mundo mágico, mítico, sagrado, profano, religioso, cotidiano y excepcional. Son un fenómeno eminentemente social de antiquísimas raíces; las fiestas mexicanas reflejan y representan el mestizaje, ya que los indígenas y los españoles no sólo mezclaron sus genes, comidas y lenguas, sino sus religiones, y de la mano de ellas, están las fiestas populares que combinan también, juegos, danza, teatro, feria, comida, diversión y ceremonias.

De dramas sociales, formas expresivas orales o no-literarias, las fiestas y los rituales populares son elementos que enraízan a la comunidad por su carácter comunitario. Estas formas culturales son importantes; en tanto forma e instrumento de concienciación, politización y emancipación de las clases populares. Y muestran una clara organización colectiva que reafirma la identidad de un pueblo o de una comunidad.
La participación se hace presente de distintas formas; adornando las calles, organizando las misas, danzas, pirotecnia y comida.

El mestizaje cultural encontró en el dios de la lluvia Tláloc o el santo patrono de los viajeros San Cristóbal, la diosa de la tierra Coatlicue o el santo especialista en casos difíciles, San Judas Tadeo, el dios de los ancianos Huehuetéotl y todo el panteón prehispánico e hispano encontró equivalencias, y a veces hasta similitudes, en el otro mundo confrontado a partir del encuentro de estas culturas. De esa forma, casi todas nuestras fiestas agregan a su advocación católica, una reminiscencia precolombina.

Qué voy a festejar

De acuerdo a su origen y función, existen cuatro tipos de fiestas, sin embargo, estas comparten ciertas similitudes entre si. Creando un ambiente místico, la mayoría son alegres y festejan a la vida, juegan con los instintos y la subordinación incondicional, desenfrenada e irreflexiva al principio del placer. Se clasifican en:

1. Fiestas prehispánicas

Estas celebraciones van ligadas al antiguo calendario agrícola y apuntan a un eje central común, el cultivo del maíz. Los mitos cosmogónicos del origen del universo y de la vida de todos los grupos de mesoamérica, está ligada a esta planta, a la que le otorgaron un carácter sagrado. Los rituales consistían en la petición de la lluvia, la bendición de las semillas, la pizca y la cosecha; se tradujo en determinados ciclos festivos y santorales católicos.

2. Fiestas patronales

Los Santos y las Vírgenes proveen milagros, esperanza y fe. Cuidan pueblos, protegen gremios, oficios, barrios y comunidades. Así cada uno de estos sectores culturales mantienen a un Santo Patrono, al que una vez al año se celebra en su nombre, se le agradece, se le reza y se le paga con algún sacrificio –ir de rodillas hasta un templo –entregar una limosna, adornar un templo y peregrinar.

La religiosidad popular se convierte también en festejo a través del culto a las imágenes de Jesús y de la Virgen María, quienes asumen nuevas y múltiples identidades, y para los cuales se erigen formidables santuarios a los que acuden miles de peregrinos: el Santo Niño de Atocha, el Niñopa, Preciosa Sangre, Niño Cieguecito, Cristo Negro, Sagrado Corazón de Jesús, Santo Entierro, San Ramos, Corpus Christi, Jesús Nazareno, Señor de las Maravillas; y María en tanto Guadalupe, Asunción, Remedios, Purísima Concepción, Dolores, Soledad, Natividad de la Virgen, Presentación de la Virgen.

3. Fiestas procesionales

Esta celebración está ligada al proceso de evangelización y sincretismo religioso, y se da sólo en lugares especiales, a los que se acude a pedir y agradecer favores más personales a los santos. La gran mayoría de los santos y las vírgenes aparecieron en lugares especiales, por medio de milagros o invocaciones donde se presentaron por primera vez. Como lo es, la Virgen de Guadalupe o el Cristo moreno de Chalma.

En estos santuarios, el fervor, las "mandas", las peregrinaciones, convierten a los santuarios en romerías que conjugan la venta de comida, un sinfín de
objetos religiosos, y así se funden feria y fiesta en el ambiente procesional.

4. Fiestas familiares

Ligadas al ciclo de la vida y a un profundo significado social, que refuerza el papel del individuo en el seno familiar y con la comunidad. Estas fiestas son, los bautizos, que marcan el reconocimiento de un crío a Dios, la comunión que es aceptar el cuerpo de Cristo, los quince años, que marcan la transición de la niñez a la juventud y presentan a la joven en edad para el matrimonio y las bodas, que es la presentación de una pareja ante la iglesia.

Estas fiestas dan origen al compadrazgo que indica, que los padres comparten la crianza con figuras paternales simbólicas, ampliando los vínculos familiares. Quizás esto nos ayude a comprender por qué la fiesta de los Fieles Difuntos combina tanto el culto en el altar familiar, como el colectivo en el camposanto o panteón.

El mayordomo

La fiesta, en tanto suma de voluntades, requiere de amplios preparativos y de múltiples participantes que entran en escena desde al menos un año antes. Uno de los principales, el que patrocina y encabeza la fiesta, es el mayordomo, carguero o cofrade (nombre que recibe según la región), quien ha recibido su encomienda y asumido su responsabilidad públicamente, con el pueblo como testigo y que usualmente un año después y al término de la fiesta, hará entrega de esta responsabilidad a su sucesor.

Sus funciones varían según la comunidad y la fastuosidad de la celebración. En términos generales, se puede decir que le corresponde realizar ciertos rezos y cambiar las flores del santo todo el año; en lo que toca a la fiesta, debe cubrir los gastos en que incurran sus auxiliares, pagar a los músicos, alimentar a los danzantes, a los compañeros “cargueros" de otros santos y autoridades, en fin, a los participantes; obsequiar el adorno del interior de la iglesia, atrio y en su caso también de las calles y debe proporcionar las velas, el incienso y los juegos pirotécnicos.

Celebraciones más populares

A lo largo del año, rodeados de fiestas nos encontramos, muchas las desconocemos otras las ignoramos. Las más populares son:

Enero:
La fiesta de los reyes magos
Se celebra a nuestra señora de Guadalupe, por motivo de sus cuatro apariciones
Febrero
La fiesta tradicional de la Virgen de la Candelaria. La cual representa la epifanía de Jesucristo y se bendicen ceras y semillas.
Carnaval, es el inicio de cuaresma.
Marzo
Festejo de San José
Abril
Fiesta de Chalma, por el fin de la semana santa, acuden los ladrones a donar parte de su motín en forma de agradecimiento
Mayo
La batalla de Puebla
La santa cruz, es la fiesta de los albañiles.
La fiesta da San Isidro
Junio
Fiesta de San Antonio
San Pedro y San Pablo, la fiesta de los santos patrones
Corpus Christi
Julio
Fiesta del refugio
Fiesta del Sr. Santiago
Fiesta de Nuestra señora del Carmen
Fiesta en Catemaco, conmermoran a la Virgen del Carmen
Agosto
Nuestra Señora de Belén
Fiesta en Jaltipan, conmemoran el día de Santa Rosa Lima
Septiembre
Día de la Independencia
Nuestra señora del Sagrario
Noviembre
Día de los santos difuntos
Fiesta de San Martín de Porres
Santa Cecilia, festividad en nombre a la patrona de los músicos
Diciembre
Fiesta de la concepción
Fiesta a la Virgen de Guadalupe

Sólo despues del desastre podremos resucitar

viernes, 23 de noviembre de 2007

La frialdad para matar, no es de humanos

HITMAN, EL PERFECTO HOMICIDA
Publicado en Revista Gamers

Instruido para matar. Entrenado para ser un arma letal. El perfecto asesino, no podría ser un humano nacido de padre y madre, pero sí la mezcla genética de los asesinos más letales y fríos de la historia. Es un clon. Es Hitman, el asesino número 47, un hombre que mata a sueldo de la forma más sigilosa y rápida. Despiadado y sin sentimientos, un ser sin otra profesión más que la de un ejecutor.

La apariencia de Hitman es la del perfecto homicida; un hombre sin expresión, sin rasgos, frío y sin sentimientos. De acuerdo a la psicología del asesino, éste es aquel que mata con un propósito y un significado. Son antisociales, agresivos, metódicos y es muy difícil reconocerlos, ya que pueden cambiar de personalidad constantemente.

Basado en los populares y homónimos juegos de video, Hitman: asesino 47(Hitman, USA, 2007), es un sicario nacido de una máquina, con los genes de diferentes asesinos y entrenado por una hermandad conocida como “la agencia”, en la que demuestra ser el mejor de su clase. Es una despiadada máquina que porta una marca en la nuca, con la forma de un código de barras que indica el número cuarenta y siete, su número de serie.

Éste asesino sin nombre, mantiene un sólo código, el de matar a aquel que dañe a la sociedad o le haga mal a un individuo, y cuando recibe la orden de ejecutar a alguien, él sabe que aunque es un mal necesario, se debe hacer y que la forma de detener el mal, es eliminándolo poco a poco.

Perseguido durante años por el agente de la INTERPOL, Mike (Dougray Scout, Escocia, 1965), que siempre anda un paso detrás de él. En su última misión, 47 se ve implicado en un asunto político y es el momento exacto en el que el oficial y el ejército ruso, deciden detenerlo y lo persiguen por Europa del Este, Francia y Holanda. Ahí donde conoce a Nika (Olga Kurylenko, Ucrania, 1979), una bella prostituta por la que Hitman se siente extrañamente atraído y esto sólo complica su escape, ya que él, estando acostumbrado a la precisión y a la perfección de su trabajo, altera por completo su ritmo.

Esta película es dirigida por Xavier Gens (Francia, 1975) que eligió a Timothy Olyphant (USA, 1968) como Hitman, de entre dos actores más, Vin Diesel (USA,1967) y Jasón Statham (Londres, 1972). La crítica cinematográfica ha sido muy dura ante esta elección, ya que no considera que éste actor tenga los rasgos que el dibujo del video juego presenta.

El video juego creado en el año 2000 por Peter Gjeellerup Koch y Morten Iversen, que lo intitularon Hitman: Codename 47, cuya fama creció y se volvió tan popular que dio entrada a otros tres videojuegos más. La trama de éstos es matar por contrato, es demasiado violenta y agresiva. Su clasificación es “mature”, pero a pesar de esto, el juego mantiene una extraña paradoja; evitar matar a aquel individuo que uno se encuentre frente al monitor, frente a lo común, que sería asesinar a todo aquel que aparezca.

El videojuego premia a aquel jugador que completó una misión con menos asesinatos y los clasifica de la siguiente forma: Psychopath, Mass Murderer, Postal, Hired Gun, Slayer, Hatche man, Iceman, Professional y Silent Assassin. El mejor asesino es aquel que es silencioso, discreto y paciente para completar su objetivo. Es por eso que para algunos jugadores acostumbrados a los asesinatos masivos, les parece sumamente aburrido.

Pero Hitman, no asesina sólo con armas de fuego, dentro de su catálogo puede escoger desde una cuerda de piano para estrangular, a veneno, o una almohada para ahogar a su victima. O simplemente puede generar muertes por accidentes involuntarios; como aventar a alguien por un balcón o poner un explosivo en una bombilla de luz.

La mejor arma de Hitman son sus dos pistolas, conocidas como Silverballers y que llevan grabadas su logo –una marca estilo, una llama – y un poderoso rifle de francotirador. Actualmente se está preparando la quinta edición de este videojuego, que se estrenará después de la película y cuyo titulo aún no ha sido anunciado.


Sólo despues del desastre podremos resucitar

El terror sólo sale de noche

30 DÍAS DE OSCURIDAD
Publicado en Revista Gamers

La noche, ese espacio místico que despedaza a los días. Que marca la continuidad de la vida. La luz y la oscuridad convergen en un equilibrio único para la naturaleza misma y para los seres humanos. Pero qué pasa cuando este equilibrio se rompe, cuando la noche es más larga que el día o cubre por completo el cielo durante un largo tiempo.

En el mes de noviembre en Alaska, en un pequeño poblado llamado Barrow, la noche y el frío extremo llegan y se quedan durante treinta días sin dejar pasar un solo rayo de luz. Es la oportunidad de que seres nocturnos aprovechen esta peculiar condición y cambien el equilibrio de la naturaleza. Sin nada que temer, la población de este pueblo continua su vida en medio de la oscuridad hasta encontrarse de frente a la misma muerte. Una bandada de vampiros que ataca sin piedad y sin temor toma por sorpresa el pueblo cazando a toda la población en una masacre sin piedad.

Sólo el sheriff y su esposa intentan cazar y defender al pueblo de estas criaturas y es ahí en donde el terror comienza y le da vida a esta historia. Esta película es una adaptación fiel al comic homónimo, escrito por Steve Niles (EUA, 1965) e ilustrado por Ben Templesmith (Australia, 1978), una miniserie de tres comic-books que posteriormente se recopilo en un tomo y fue publicada por la editorial IDW Publishing en el 2002, después de haber sido rechazada por las editoriales Dark horse (Hellboy y ) y por Todd McFarlane Productions (Spaw y Sam y Twitch) y antes de intentar ser vendida como guión cinematográfico a distintas casas productoras. Siendo para su casa editorial un gran éxito en ventas y acogido de muy buena gana por la crítica.

Esta película es dirigida por David Slade (Inglaterra, 1969), quien dirigió la polémica cinta Hard Candy (Niña mala, EUA, 2005). Bajo una atmósfera tan terrorífica e intensa como las viejas series de televisión, Galería nocturna (1970) o la Dimensión desconocida (1959) retoma los viejos elementos y las viejas técnicas del terror para darles un nuevo toque de terror psicológico, mezclando el suspenso y el horror en una sola historia, tan básica, sin giros bruscos y escenas sacadas de la manga que de cierta forma es un tributo a los viejos Thrillers de los años sesenta y setenta.

Pocos autores como Richard Matheson (USA, 1926) guionista de la dimensión desconocida y escritor de la famosa novela Soy leyenda, un libro apocalíptico. en donde los vampiros son la nueva raza de la tierra, asesinando sin piedad a los pocos humanos que quedan vivos. El terror tan penetrante de Harlan Ellison (EUA, 1934) con cuentos como el gemido de los perros apaleados y no tengo boca y debo gritar o los libros de sangre de Clive Barker (Inglaterra, 1952) son los legados que estos autores heredaron para dar vida a esta escalofriante cinta.

La oscura atmosfera y el frío del ártico que envuelven el clima de esta cinta son sólo el primer capítulo de una serie de tres. Esperando una trilogía que se iguale al éxito de la novela gráfica y no se quede en un solo éxito. Esto es la contundente muestra de que el comic puede igualar a la literatura y juntarse con autores, guionistas y animadores que lleven a la pantalla grande y recrear el terror más fino y cruel que solo en viñetas y novelas se pueden leer.

Sólo despues del desastre podremos resucitar

Museo de Arte Popular

Cultura Popular en México
Publicado en Revista Diez

En 1928 el Presidente Plutarco Elías Calles inauguró en la ciudad de México un edificio Art Deco que funcionó como estación de bomberos y cuartel de Policía hasta 1975, año en que se utilizó como oficina de tesorería, de 1980 a 1985 fue Secretaria de marina y se mantuvo cerrado hasta este año en que el expresidente Vicente Fox reabrió las puertas de este recinto y presento el Museo de Arte Popular (MAP).

El Museo de Arte Popular (Map) intenta rescatar la cultura popular mexicana, ya que en México no existen museos especializados en las expresiones artísticas de los pueblos mexicanos, su memoria, sus manifestaciones y su imaginario. La colectividad de los pueblos y su necesidad por representar sus inquietudes y dar colorido a sus regiones desde pinturas, ropa, juegos, rituales, música y otras expresiones serán rescatadas en este recinto con el fin de crear una memoria histórica y colectiva de nuestro país.

El edificio se compone de tres pisos, en el tercero se encuentra la muestra permamente que esta dividida en secciones y estas son, “Esencia: Raíces del arte popular mexicano” en la que se muestran las primeras manifestaciones artísticas mexicanas y de la conquista, “Vida cotidiana” expone la identidad del pueblo mexicano, como juguetes, ollas, muebles, baúles, alhajeros, espejos, etc. y “Albores del siglo XXI” que exhibe las nuevas propuestas del arte popular actual.

En el segundo piso y en el primero se encuentra la exposición temporal “muerte sin fin una cotidianeidad” que termina el 28 de enero del 2007. Es un recorrido por el fascinante mundo de la muerte, el mundo de lo sagrado, exhibiendo lo simbólico y artístico. Nacimientos, retablos, exvotos, milagros, el rito al día de muertos, las fiestas que hay detrás de esto, fotos e imágenes de personajes de nuestra historia que han muerto trágicamente, objetos múltiples como catrinas, diablos, nahuales y demás fauna que nos conduce al sueño místico de la muerte.

Dos de las piezas más importantes con las que el museo cuenta es el “el árbol del artesano” que en sus ramas representa la vida de estos artistas y el Mural de Miguel Covarrubias el cual fue recuperado en el sismo de 1985 titulado “el fresco México y sus riquezas naturales”. Los árboles de la vida ejemplifican de una manera más objetiva la vida de México, el imaginario popular, nuestra historia, costumbres ya que esta es la base de la creatividad del ser humano.

El museo cuenta también con talleres para niños sin costo en los que se aprende a crear juguetes con material reciclado, a hacer calaveras en azúcar y cartón, cestería, crear mariposas, piñatas , alebrijes, faroles y tablas huicholas. También tiene talleres para artesanos sin precio alguno como cartonería, alebrijes, papel recortado y papel maché. Presenta también ciclos de cine documental, cintas como “el caracol alado”, "Las ruinas del México Prehispánico" y "Piedras de lluvia".

La importancia de esta casa es la de conocer y entender a nuestro país, comprender la necesidad de la gente por expresarse y observar la creatividad e imaginación que hay en nuestra cultura y los seres místicos que nos rodean. Existen mercados como Sonora, la plaza de la ciudadela, San ángel, en donde todas las expresiones artísticas son un negocio carentes de una explicación, hoy se les da su lugar en las salas de un museo sólo así podremos entender que nuestra cultura tiene un lugar en el mundo.

El horario del museo es de martes a domingo de 10:00 a.m. a 5:00 p.m., la entrada es libre sin costo alguno, se planea tener 4 exposiciones al año y esta ubicado en la calle Revillagigedo no. 11 esq. independencia a espaldas del Hotel Sheraton en el centro de la capital.


Sólo despues del desastre podremos resucitar

Robocop

El Policía que olvido su nombre
Publicado en Revista Gamers






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miércoles, 21 de noviembre de 2007

Museo del Estanquillo

Pase al rincón del recuerdo
Publicado en revista Diez

Las calles de nuestra ciudad, llenas de costumbres y tradiciones. Cuántas de ellas aún existen y cuántas no, cantinas, pulquerías, viejas vecindades, cabarets, carpas, tianguis, lugares que nuestros abuelos solían frecuentar y que con el paso de los años, cada vez son menos. Y que hay de los juguetes, símbolos de nuestra infancia, trompos, baleros, serpientes y escaleras o el juego de la oca. Incluso, el viejo centro de la ciudad donde el tiempo lo ha ido transformando en lo que es hoy, una caja llena de memorias y recuerdos.

Todas esas memorias y recuerdos están hoy en el Museo del Estanquillo y la pregunta que hace este es valida “En dónde se localiza la esencia de la ciudad”, está en nosotros mismos, en la historia, en nuestras paredes, en nuestro calo, en las imágenes que retratan cada época, como las de nuestros héroes, las guerras, las muertes, esos pasos que dio el país para tener una identidad y un alma.

Pasear por las salas de este museo, es un viaje por el tiempo, donde se puede escuchar a través de audífonos el caminar por el zócalo en la época de la colonia, entrar a un cabaret o a una pulquería, oír los gritos de las marchantes de los tianguis. Es un recorrido cíclico que me lleva de la colonia a la independencia y a la revolución, así hasta llegar a nuestros días. Bajo una estética tan realista de las diversas clases de la población, del rico burgués al pobre proletariado, de las familias, de los barrios de lo que gozaron y padecieron.

El Museo del Estanquillo o Colecciones Carlos Monsiváis, es una recopilación de piezas que reflejan las pasiones, intereses y gustos de este excéntrico crítico ensayista y escritor, quien durante casi 40 años ha reunido piezas de diferente índole. Podemos encontrar maquetas escenificando diferentes etapas de la historia, miniaturas de hueso, pequeñas esculturas de plomo, caricaturas, historietas, grabados, fotografías, pinturas, entre otras cosas.

La colección ha sido gracias, al talento de diferentes autores tales como Miguel Covarrubias, Andrés Audiffred, Gabriel Vargas, Manuel Álvarez Bravo, Nacho López, Francisco Toledo, Vicente Rojo , “Chango” Cabral, Helio Flores, José Guadalupe Posada, Agustín Jiménez, Abel Quezada, Rius, Rogelio Naranjo Germán Gedovius y otros.

El folclore y la comedia mexicana, están presentes en cada sala intentando romper con el paradigma que existe de los museos. Este intenta atrapar al público en una atmósfera chusca y graciosa que nos da las bases para descubrir los orígenes de nuestra identidad. En cada piso encontramos imágenes, figuras, fotos, que nos trasladan a diferentes espacios históricos, con más de 500 piezas en exposición, posters, publicidad, libros, alcancías, calendarios, recortes de periódicos, litografías y otras curiosidades que retratan el lenguaje y la alegría que son el espejo de nuestra comunidad.

Ese espejo está en cada rincón de nuestras calles, al lugar que volteemos veremos que la ciudad habla por si misma que nos cuenta historias. Tenemos deidades, somos un pueblo religioso, fiel y noble que inventa, que sueña y que se divierte ya sea en la Arena México con la esperanza de ver al Santo o al Blue Demon y porqué no, visitar el Salón Corona, el México y el Bombay, dar una vuelta por la lagunilla o tener una velada en Xochimilco.

El Estanquillo es sólo el testigo de todo lo que uno puede contar sobre México, es un fragmento que recupera la historia, es la pieza de un rompecabezas que nosotros armamos poco a poco con nuestros recuerdos.

El museo se encuentra en el antiguo edificio Esmeralda, ubicado en Isabel la Católica no. 26 esq. con Av. Madero, la entrada es sin costo alguno y esta abierto de lunes a domingo de 10:00 a.m. a 18:00 p.m., cuenta con visitas guiadas, tienda y cafetería.

La página Web es: www.museodelestanquillo.com



Sólo despues del desastre podremos resucitar

El derecho al humor

La gente ahora todo lo busca en la televisión: Sergio Aragonés
Entrevista publicada en el Periódico El Financiero

Uno de los representantes más importantes de la irónica e hilarante revista de humor Mad es Sergio Aragonés, creador de los pequeños dibujos que aparecen en los bordes de las páginas de dicha publicación y por su sección titulada "Drawn-out dramas". Pero más allá de los cartones hay un popular y regordete personaje, Groo, creado hace 25 años por este castellonense.

Groo apareció en una pequeña editorial independiente, Pacific Cómics. ¿El motivo de esto?, simple: que las grandes editoriales absorbían automáticamente todos los derechos de la obra y Aragonés no estaba de acuerdo con ello. Él cree que una editorial independiente es lo que mantiene la calidad: "Lasgrandes compañías venden masivamente, ganan mucho dinero y no se arriesgan a perderlo —dice—. En cambio el independiente, como no tiene a los grandes autores que están en las editoriales establecidas, invitan a nuevos creadores y comienzan a hacer cosas mucho mejores."

Influido por el cómic francés y personajes como Asterix y Tintín, Sergio Aragonés, de entrada, es directo: "Mi influencia principal es el humor. Hay muy pocos autores que se dediquen a hacer chistes y se cambien a hacer cómics. Con Groo, por ejemplo, puedo criticar o indicar temas que estén pasando hoy en día, pero en lugar de presentarlo fuerte y socialmente lo hago representando estas críticas en otra época."

—¿Es la crítica la función social del humor gráfico?
—El humor es social, enseña, pero, para mí, es la de entretener.
—Entonces el humor debe ser universal y a la vez debe ser cultural.
—Sí, el humor debe ser accesible a todos; el campesino tiene el mismo derecho a reírse por lo mismo que se ríe un doctor o un ingeniero, pero el humor cambia de acuerdo al conocimiento de la gente, como cambian las novelas o lo que se ve por televisión. Mira, siempre habrá novelas finas, corrientes o comunes, e igual pasa con la caricatura: hay dibujos más finos o temas más educados.
—¿Cree que las historietas son parte de una industria cultural o sólo parte de una industria más del entretenimiento?


—Depende cuál; la mía, por ejemplo, es sólo de entretenimiento. Yo no trato de cambiar nada, aunque sí, subliminalmente, intento inculcar siempre un mensaje... Hay muchos cómics que nada más entretienen y hay otros que políticamente son intensos.


—Pero mucha gente piensa que el cómic debe aparecer en ediciones especiales, con artículos de colección, ediciones limitadas o más lujosas y han olvidado las viñetas de los periódicos y revistas, siendo éstas el origen de la tira cómica...

—La tira cómica está ligada de forma inseparable con el periódico; si éste fallece, la tira igual. El problema es que un periódico muere por la falta de publicidad, porque los publicistas en lugar de hacer anuncios en la prensa escrita trabajan para la televisión. La gente ya no tiene tiempo de leer, todo lo busca en la televisión; por ende, el número de impresiones de los periódicos disminuye y con esto baja el número de impresiones de las tiras cómicas... Hoy, las revistas especializadas como las de amor, de espectáculos o de cine tienen dibujantes especializados. Las que se especializan en política (con ciertos discursos que al lector le agrada) tienen a caricaturistas que hacen el tema político más interesante.


—Japón y Francia son grandes industrias del cómic, pero éste, al menos en México, es muy escaso, desde su venta hasta la creación de nuevos senderos para este arte. ¿Cómo se debe impulsar la industria... a qué cree que se deba esta escasez?


—A la falta de darle al lector mexicano material bueno. En Japón se ha mantenido siempre el cómic para niños, jóvenes, adultos y de mujer; así que cuando uno es niño en Japón, lee un cómic infantil; crece, y lee uno más juvenil; y, cuando es adulto, busca otros temas, pero siempre se tiene un material a elegir. Los editores en América, por ejemplo, se han dedicado al lector que compra el cómic en masa; si está de moda Batman se dedican a hacer miles de números de él, y de nada más. Hay editoriales, como Fantagraphics, que tienen ediciones muy limitadas, y otras que publican cómics muy buenos pero muy limitados. Ésos son los que se deben de buscar, porque están hechos con una calidad enorme. El cómic de superhéroes es simplemente un entrete- nimiento básico; sin embargo, éstos no son todos los cómics. Hay de los de altura, como los de Darkhorse, que publica el trabajo de Frank Miller (Ronin, Sin City), Mike Mignola (Hellboy) o Harvey Pekar (American Splendor).


—El manga ha ganado terreno en ventas y en popularidad frente al mercado europeo y gringo, rebasando a casas editoriales como DC o Marvel Comics. ¿Está siendo desplazado el cómic o sólo es una orientación cultural?
—No, no, la manga que se hizo popular en Occidente y otros sitios no tiene que ver nada con la manga buena japonesa. El anime y el cómic japonés de calidad a pocos les gusta, lo que ha llegado es el cómic fácil, el barato: el fácil de entender y de dibujar. Hay muchos jóvenes que no quieren estudiar anatomía, no quieren aprender a dibujar bien, entonces copian a la copia, imitan a la manga fácil y hacen historias muy malas... Si éste se ha hecho popular es porque los jóvenes en las escuelas los dibujan y otros lo ven y se vuelve un fenómeno que, obvio, va a desaparecer, porque la manga buena es estupenda, pero ésa no la pueden copiar porque es autoral y no llega hasta acá.


—¿Cree que el cómic, como herramienta de educación, podrá desplazar a la literatura en algún momento?
—No, nunca, son medios complementarios, no se pueden desplazar, ni la televisión lo hará ya que son del todo diferentes. Hay mucha gente que dice que el cómic es como el cine y no es cierto, tienen algunas similitudes, sí, pero en realidad es un medio completamente independiente. Es una combinación de escritura y dibujo y hay pocos medios que lo tienen. Los cómics ayudan: hay jóvenes que no saben leer o a quienes no les gusta la lectura, y leerlos les ayuda a encontrarla y a llegar a un punto en que les sobre o los rebase. Así, el lector tomará libros e imaginará lo que está leyendo a su manera.

Sólo despues del desastre podremos resucitar

Transformers

Máquinas con personalidad
Publicado en Revista 35mm

La industria automovilística en Estados Unidos es parte fundamental de su economía, de su cultura y de su personalidad como nación, no olvidemos esos autos gigantes, como el Acapulco o el Malibu, naves enormes, falos gigantes de poder en comparación con los pequeños y diminutos coches europeos. Mcluhan dice que gracias a estos vehículos se formaron las ciudades, se creo el asfalto, la comunicación, la neurosis compulsiva de las grandes urbes viene de ahí. Y por qué no, la vida social depende en gran escala a estas maquinas que nos transportan de un lugar a otro.

La nueva adaptación del dibujo animado, Transformers (EUA, 1984), una ficción que muestra automóviles que se convierten en robots con una personalidad propia idéntica a la de los humanos, con sentimientos, odios, traumas y todo tipo de característica humana, intentan conquistar el universo, con qué fin, no lo sabemos. Lo que sí, es que existen dos bandos los decepticons y los autobots. Un tema ya bastante clicheado.

La infancia mexicana en los ochentas fue educada y formada a través de la televisión, desde la gigante influencia de Walt Disney y sus sosos personajes como Dumbo o Bambi y caricaturas que nuestra generosa Televisa y el canal del gato GC programaba, como Mazinger Z (1972), He-man y los amos del Universo (1983), Heidi (1974), Los pitufos (1981), Los thundercats (1985), los silverhawks (1986), Remi (1970) y otras. Formaban parte del bagaje cultural e infantil de los “adultos” de hoy.

Las generaciones están siendo transformadas, los niños más pequeños ven a Shrek, pero también ven la nueva adaptación de las Tortugas Ninja que aparecieron por primera vez en 1987 o Charlie y la fabrica de chocolates (Charlie and the chocolate factory, EUA, 2005) en la que desconocen que existía una versión anterior. Esto no es culpa de los niños ni de los padres, sino es la crisis de imaginación por la que esta pasando la industria intelectual, cultural y en especial la cinematográfica.

Transformers es dirigida por Michael Bay (Peral Harbor, Armageddon, The Rock) y producida por Steven Spilberg (Indiana Jones, La lista de Schindler) y se estrena en los Estados Unidos el 4 de julio (día de su independencia) – un grito más de su ciego patriotismo – no olvidemos que en 1996 se estreno en la misma fecha el Día de la independencia (Independence Day, EUA,1996) siendo una de las películas más taquilleras de esa década ya que en ese año se lanzaron dos ataques contra objetivos militares en Irak y el país estaba en la búsqueda de una identidad militar y patriótica.

Autos y aviones que se transforman en robots gigantescos, con un impresionante armamento, batallan en el desierto ante el ejercito de los estados unidos que debe defender su territorio ante esta amenaza, ya que el mundo se encuentra en medio de la guerra entre los decepticons y los autobots. Sam Witwicky (Shia LaBeouf ) compra un auto Chevrolet Camaro que se transforma en una gigantesca arma de destrucción (pero inofensiva) llamado Bumblebee y junto con Mikaela (Megan Fox) tendrán que unirse a las fuerzas de Optimus Prime un robot que se convierte en un trailer, líder del bando bueno, que llega a la tierra a detener a Megatron.

Esta cinta parece cumplir con diferentes objetivos, el seguir alimentando la identidad bélica de los norteamericanos, engañar a las otras naciones de que el mundo siempre es salvado por ellos, de que todo siempre sucede en ese país y por último ser un gigantesco comercial publicitario para varias marcas, ya sea de ropa, de comida, la marca de juguetes Hasbro dueña de los derechos de esta figuras, pero en especial, la General Motors, que presenta varios de sus modelos de autos y que no se quedo atrás siendo que Dodge también lo hizo en la segunda entrega de los 4 fantásticos con el vehículo oficial de este cuarteto.

Gigantescos efectos especiales complementan la cinta, una pelea por la carretera estilo Matrix, soldados estilo G.I. Joe, y dos bandos de Transformers los autobots, que son, Optimus Prime, Bumblebee, Jazz y Ironhide y los Decepticons, que son lidereados por
Megatron y lo siguen Barricada y Starscream, pero no son los únicos, llegan más del espacio unos pequeños y otros igual de impresionantes.

La conquista del planeta y del universo es un tema que durante décadas se ha tratado en cientos de historias, cada vez veremos más adaptaciones ya sean de comics, de caricaturas, de libros, remakes de otras cintas, el cine se esta convirtiendo en una maquina compulsiva que imita y copia dejando de crear, para que el público sea mas cautivo, menos crítico, para que ya no existan generaciones y todas tengan los mismos recuerdos, las mismas esperanzas y los mismos sueños, quizás las maquinas no sean los transformers quizás lo seamos nosotros.

Sólo despues del desastre podremos resucitar

Héroes de generación

Cuatro Fantásticos
Publicado en la Revista 35mm

Primero

A comparación de los X-Men, los vengadores o la liga de la justicia que, comparten un ideal de justicia, la defensa del débil y del individuo común, grupos en los que cada integrante tiene una característica de raza, de origen y criterios bastante amplios que muchas veces se presta a grandes dramas y conflictos entre ellos, además de que sus identidades son secretas. Existe otro equipo, uno que sufrió su transformación en la misma misión, amigos en común, un vinculo de amistad y lealtad que los diferencia de todos los demás.

Los 4 Fantásticos creados por Stan Lee y Jack Kirby en 1961, son hasta hoy, los superhéroes más políticamente correctos del universo marvel. Creados en una época de cambios políticos radicales, guerras y conflictos raciales, se convirtieron en un icono cultural por el alto impacto de influencia en los ideales norteamericanos. Los comics y personajes creados en esos años como el Capitán América o Superman, fueron utilizados con fines políticos y de manipulación social, ya que cada villano representaba a un país o un hecho histórico ejemplo claro es cara roja, un soldado alemán con los mismos ideales que los de Adolf Hitler y Víctor Von Doom con las claras características de la ya aniquilada Unión Soviética.

Segundo

Cuatro personajes, cuyo símbolo o escudo es el mismo numero, para el tarot significa “el emperador”, en la religión cristiana simboliza el orden cósmico creado por Dios, pero estos singulares personajes están representados por los cuatro elementos griegos y son, la Mole representando a la tierra, la antorcha humana el fuego, el viento la mujer invisible y el agua es el hombre elástico.

La segunda adaptación de este comic corre por cuenta de Tim Story (1970, USA) y es escrita por Mark Frost (1953, USA), famoso por la tan polémica serie de televisión Twin peaks que fue producida y dirigida por David Lynch (1946, USA). Los Cuatro Fantásticos y Silver Surfer es uno más de los desesperados intentos de la industria de hollywood por adaptar las tiras cómicas en superproducciones, alterando en algunas ocasiones las historias originales y las tramas para controlar así a un mayor segmento de mercado.

Tercero

El regreso del Doctor Víctor Von Doom (Julian MacMahon), con nuevas habilidades y un traje más parecido al del comic, le dará un giro inesperado a la historia, pero al final la actitud de un criminal nunca cambia. Dos nuevos villanos, Silver Surfer (Deslizador de plata), llega al planeta tierra como el heraldo de Galactus el devorador de mundos, un ente que absorbe la vitalidad de los planetas para sobrevivir y en esta ocasión la tierra será su plato fuerte.

Los cuatro fantásticos, enfrentarán al deslizador de plata y trataran de hacer que vea lo “maravilloso” que es la tierra para que esta no sea entragada a Galactus. Reed Richards (Ioan Gruffudd), conocido como el hombre elástico, líder y considerado el hombre más inteligente de la tierra, es seguido por Susan Storm (Jessica Alba), la mujer invisible, Johnny Store (Chris Evans) la antorcha humana y el guapo Ben Grimm (Michael Chiklis) la mole. Estos personajes se empeñan en salvar al mundo desde el famoso Edificio Baxter que con grandes aparatos tecnológicos y la fama que los rodea su vocación es incondicionable.

El amor no se queda atrás, una chica ciega, Alicia Masters (Ferry Washington), se enamora del guapo Ben, lo que el hombre de piedra no sabe y desconoce es que ella es la hija del famoso titiritero, uno de los villanos mas temibles de este cuarteto. La famosa boda del siglo llamada así por la gente de New York, Reed Richards y Sue Storm, están a un pie de casarse pero la fatalidad la pospone.

Cuarto

La mezcla de segmentos de diferentes números del comic, es el complemento de esta secuela. Pero, ¿realmente hoy los cuatro fantásticos son fantásticos?, quizás en los 60´s, quizás en un mundo que intentaba dar identidad, los héroes como Superman o el Capitán América, insertados en una época fija y con un propósito, formaron parte de un imaginario y de viejas generaciones. El esfuerzo por llevar a la pantalla viejos héroes y de dar vida a lo que en estaba en papel esta tentado en muchas formas al fracaso.

Así como el cuarteto de Liverpool alcanza la fama y su música es inmortal, estos personajes son tan famosos y reconocibles en el mundo que es demasiado fácil explotar la imagen de estos y es un simple paso en la industría cinematográfica que cada vez con más adaptaciones destrozan y convierten en verdaderos bodrios cientos de historias que marcan generaciones y sellan la fantasía de estas.

Sólo despues del desastre podremos resucitar

Festival de maravillas y fantasía

37 AÑOS DE LA COMIC – CON
Publicado en Revista Gamers

De viñetas, monos, cartones, diálogos dentro de pequeñas burbujas y un sin fin de historias conectadas en un solo género, el comic, que nace dentro de los periódicos como complementos de secciones políticas, infantiles o cómicas. Hoy es una de las más grandes industrias culturales. Su estilo, es capaz de despertar diferentes sentimientos, de crear simpatía y empatía por ciertos personajes, de conocer diferentes mundos. Pasiones por una u otra historia, provocando que tu vida gire en torno a uno o más personajes.

En el principio fueron historias y dibujos demasiado simples, personajes muy sencillos, ficciones lineales, pero esto evolucionó. Al igual que la ciencia ficción, que en un principio se considero como un sub-genero, el comic ha crecido y ya es parte de nuestra cultura; es más artístico, más ilustrativo, lleno de formas e historias para todos, ficciones futuristas, de terror, fantasía, dramas, ciencia ficción, tragedias, comedias, novelas ilustradas, adaptaciones de libros clásicos, épicas y aventuras.

Existen todo tipo de lectores, desde los fanáticos al manga japonés, a las historias de superhéroes, de los allegados al terror y al suspenso, fans de historias violentas, seguidores de personajes comunes, tristes y decadentes como Harvey Pekar (1939) y su famoso comic autobiográfico American Splendor, adictos a historias con tramas sociales como V for vendetta, otros allegados a las ilustraciones más artísticas como los dibujos de Dave Mackean (1963) o de Yoshitaka Amano (1952), un universo de autores e ilustradores que juntos dan vida a este género que es parte ya de un mercado y de una industria llámese cultural o artística.

Desde hace 37 años en la ciudad de San Diego (EUA) se celebra la Comic – Con (Comic Convention International) una convención que inició en el sótano del Hotel US Grant y hoy es el mayor festival internacional sobre comic en todo el mundo. Este año se celebró del 26 al 29 de julio, llegando a esta ciudad norteamericana cientos de amantes de las historietas, una concentración masiva de adolescentes, hombres, mujeres y niños.

El festival funciona como la plataforma de lanzamiento de nuevos comic, con diferentes temáticas, salón por salón acoge una atmósfera diferente y especial que va de la ciencia ficción, la fantasía, el horror, anime, manga, novelas gráficas, primeras ediciones, primeras páginas, bocetos, animación, juguetes, cartas, video juegos, presentación de series de televisión, adelantos cinematográficos y estrenos de películas.

En la Comic – Con además de presentar los nuevos y viejos trabajos artísticos, se encuentra llena de actividades; conferencias, ruedas de prensa, presentaciones especiales y firmas. Se presentan grandes personalidades de la industria del comic, artístas, guionistas y dibujantes de las principales casas editoriales como DC Comics, Marvel, Dark Horse, Vertigo y otras.

La industria cinematográfica, adelanta sus proyectos y presenta cortos de las nuevas producciones, lleva a una gran gama de artistas, directores y guionistas a presentar sus nuevos trabajos y cientos de productos que se encuentran a la venta. Las principales distribuidoras como la Warner Brothers, Fox y Sony presentan las nuevas series de televisión, así como lanzamientos de DVD´s y firma de autógrafos.

Las principales plataformas de juegos de video, como PlayStation, Xbox y Nintendo, presentan sus nuevos materiales y proyectos a futuro, conferencias con los creadores e invitan al público a probar lo más reciente y presentan material ligado a personajes de películas, de series de televisión y de comic.

Dentro de las actividades que engloba la Comic – Con, se encuentran los famosos juegos de rol, que convocan a una gigantesca competencia. Desde Yu-gi-oh, Pokémon, Wizards Of the Coast, Star wars, Dungeons Dragons y competencias de juegos de video como Tekken.

El festival cuenta con un espacio para niños, y en conjunto con el International Children’s Film Festival, presentó 60 películas infantiles de 20 países y una sección especial de anime cintas, como Le chevalier D´Eon, Ah! My Goddess 2, Melancholy of Haruhi Suzumiya, Tsubasa y Karin entre otras, una selección de cine por género, de acción: Razor Sharp, animación: Fission, comic oriental: Rocketboy, Documental: Moebius Redux, Horror: Eli, Comedia: Zombie Love y ciencia ficción: Man vs. Woman.

La atracción de este festival es la gran cantidad de noticias y sorpresas que se les presenta a los fanáticos y lectores. Nuevos comics, el reestreno de algunos, el fin de otros, estrenos para la pantalla grande y unas cuantas sorpresas, como que el servicio postal de EUA presentó una planilla de sellos postales con las figuras de los superhéroes de Marvel Comics, esta misma editorial anuncio que Ultimates 3 saldrá a la venta en Estados Unidos en diciembre de 2007; Ultimate Spider-Man cambia de dibujante y las diferentes series mensuales de Spider desaparecerán, para aglutinarse en un solo título: Amazing Spider-Man.

DC Comics, a través de Wildstorm, publicará una serie de Novelas Gráficas en las que se explotarán los personajes de la popular serie televisiva Héroes. Brian Michael Bendis y Alex Maleev presentarón un adelanto de Halo Upraising, basado en el famoso video juego.

Hellblazer: Pandemonium lleva por título la novela gráfica que marca el regreso del guionista Jaime Delano al personaje John Constantine. Delano, primer guionista de la serie -del personaje creado por Alan Moore-, será acompañado por el dibujante Jock en esta historia.

Se celebró el 25 aniversario de Groo, la obra de Sergio Aragones y Mark Evainer, hubo tres retrospectivas, la primera de Matt Wagner por los 25 años de haber publicadó su obra más famosa, Grendel, la segunda, de Adam Hughes ya que es uno de los dibujantes e ilustradores más reconocidos en el comic Americano, y la última, Neil Gaiman, haciendo un recorrido de su obra y del universo que él ha creado, el del Sandman.


Una gran variedad de mesas redondas y de temas existen en la Comic - Con, en las que participan diferentes guionistas, directores y el público asiste a éstas, con la finalidad de poder opinar; se habló sobre los grupos del Universo DC, con la participación de Geoff Johns (Teen Titans, Justice Society of America), Sean McKeever (Teen Titans), Gail Simone (Birds of Prey), Tony Bedard (Supergirl and The Legion of Superheroes), Dan DiDio, Eddie Berganza y Mike Marts.

Los fundadores de Image, Erik Larsen, Jim Lee, Rob Liefeld, Todd McFarlane, Whilce Portacio, Marc Silvestri y Jim Valentino, hablaron sobre la fundación de la editorial en su 15 aniversario. La editorial Vertigo, hizo un repaso de sus obras con la presencia de Jason Aaron, Brian Azzarello, Mark Buckingham, Mike Carey, Joshua Dysart, David Lapham, Simon Oliver, Matt Wagner, Steven T. Seagle, G. Willow Wilson, Bill Willingham y Brian Wood.

Se presentan nuevos trabajos, como la editorial Image comics que mostró sus novedades con la presencia de Robert Kirkman, Mike Oeming, Erik Larsen, Matt Fraction, Gerry Duggan, Phil Noto, y Jay Fotos. David Finch revela un libro en el que publica diferentes bocetos de sus personajes y de sus comics.

Los noticias cinematográficas fueron, el anuncio de la película Watchmen para el 2008 que será dirigida por Zack Snyder (300), el Súper agente 86, The incredible Hulk 2, Iron Man, The Dark Knight y comienza a fin de año la producción de Death comic de Neil Gaiman que tendrá como productor ejecutivo a Guillermo del Toro. Se presentó una edición especial de Blade Runner en dvd al igual que de 300. La Fox ha designado a Gavin Hood como el nuevo director para Wolverine, el spinoff de X-men protagonizado por Hugh Jackman.

La Paramount Pictures presentó Beowulf, The Spiderwick Chronicles, Stardust, Hot Rod, Iron Man, Indiana Jones IV y Star Trek. Alexandre Aja, esta preparando la adaptación al cine del comic Black Hole (1995-2004) escrito y dibujado por Charles Burns, Roger Avary (Pulp Fiction, Las Reglas del Juego, Silent Hill) y Neil Gaiman están trabajando en el guión, la cinta estará en los cines en el 2009.

Se proyecto la película de animación del Doctor Extraño por primera vez en el mundo. Mark Verheiden, guionista de series de Star Wars, productor de TV en Battlestar Galactica, y presento el guión de la película de los Jóvenes Titanes.

La televisión no se quedo atrás ya que se presentó un adelanto de la nueva serie animada The Spectacular Spider-Man. Se dio a conocer un preview de lo que nos espera en la cuarta temporada de Lost, con la presencia del productor ejecutivo de la serie, Damon Lindelof.
La función final de este foro es presentar a personajes míticos que han servido de inspiración a otros autores, como Will Eisner, que falleció hace unos años; fue la guía para otros escritores, Neil Gaiman, Stan Lee, Alan Moore, Frank Millar, Grant Morrison, Garth Ennis o Warren Ellis, ilustradores que han creado corrientes artísticas como el outside art, o el street art, pero también recae en el mercado, siendo un punto de venta de productos y una plataforma para que las grandes industrias (cine y televisión) exploten el poder de convocatoria que tiene este evento y la sencillez perdiendo el interés inicial, que era presentar y mostrar este arte, cayendo en el juego de la oferta y la demanda.

En honor al maestro Will Eisner, guía y gran gurú de bastantes escritores de comics, año tras año se entrega una serie de premios a los más destacados artistas de este medio, son demasiadas las categorías, por lo que sólo nombraré las más importantes:
Mejor serie nueva
Criminal, de Ed Brubaker y Sean Phillips
Mejor serie
All Star Superman, de Grant Morrison y Frank Quitely
Mejor antología
Fables: 1001 Nights of Snowfall, de Bill Willingham
Mejor equipo o artista lápiz/tinta
Fables, Mark Buckingham/Steve Leialoha
Mejor serie limitada
Batman: Year 100, de Paul Pope
Mejor autor
Paul Pope, Batman: Year 100
Mejor recopilación de comic book clásico
Absolute Sandman, vol. 1, de Neil Gaiman y varios
Mejor One-Shot
Batman/The Spirit #1: “Crime Convention” , de Jeph Loeb y Darwyn Cooke
Mejor edición de obra extranjera/manga
Old Boy, de Garon Tsuchiya y Nobuaki Minegishi
Mejor recopilación de tiras diarias clásicas
The Complete Peanuts, 1959–1960, 1961–1962, de Charles Schulz


Invitados especiales, escritores, dibujantes y directores de las diferentes casas editoriales: Sergio Aragonés
Kyle Baker
Alison Bechdel
Allen Bellman
Ray Bradbury
Dan Brereton
Daryl Cagle
Cecil Castellucci
Darwyn Cooke
Guy Delisle
Paul Dini
Roman Dirge
Cory Doctorow
Ann Eisner
Warren Ellis
Mark Evanier
Renée French
Gary Friedrich
Christos N. Gage
Neil Gaiman
Rick Geary
George Gladir
Laurell K. Hamilton
Gilbert Hernandez
Jaime Hernandez
Adam Hughes
Joe Jusko
Miriam Katin
Mel Keefer
Scott Kurtz
Joseph Michael Linsner
Joe Matt
David Morrell
Karen Palinko
Lily Renee Phillips
Mike Ploog
Paul Pope
George A. Romero
Rowena
Dave Stevens
J. Michael Straczynski
Ben Templesmith
Roy Thomas
Morrie Turner
Mark Verheiden
Matt Wagner
J. H. Williams III
Kent Williams
F. Paul Wilson
Brian Wood

Invitados de la industria cinematográfica, directores, Guionistas y productores:
Jessica Alba
Nicolas Cage
Edward Norton
Clive Owen
Josh Hartnett
Robert Downey Jr.
Dane Cook
Matt Groening
Alexandre Aja

Festivales de comics alrededor del globo:
Festival de comics Ani – Con (Hong Kong)
International Comic Arts Festival (Maryland, EUA)
Wondercon (San Francisco, EUA)
Festival International de la Bande Dessinée (Angulema, Francia)
Comiket (Tokio)
Salón Internacional del comic (Barcelona)
Viñetas desde o Atlántico (Coruña, Islas Canarias)
Salón del comic de Getxo (Bilbao)
The Northern Ireland Comics Festival (Irlanda)
Comics Festival Belgium (Bélgica)
The Helsinki Comics Festival (Finlandia)
Comix-Festival Fumetto (Alemania)
Komiks Fest (Praga)
La mole y TNT (México)
Stumptown Comic fest (Portland, EUA)
Toronto comic arts festival (Canada)
UK International Comic Festival (Inglaterra)


Sólo despues del desastre podremos resucitar

jueves, 15 de noviembre de 2007

Literatura galáctica

En una galaxia muy lejana…
Publicado en 24xSegundo

Hace mucho tiempo en una galaxia muy, muy lejana..., así empieza una de las películas mas importantes del siglo, una soup opera llevada a la pantalla grande y en una librería muy, muy lejana...,apareció una edición de 1977 de la novela original de la guerra de las galaxias,la historia, no era igual, existen cambios en la historia, que son bastante importantes para darle un sentido a esta obra que deja de ser una verdadera obra de ciencia ficción y se convierte en el melodrama que todos conocemos.

"Estaban en el lugar equivocado, en el momento inoportuno. Naturalmente, se convirtieron en héroes" Leia Organa.

Las diferencias están claras y son:

Antes de que la nave en la que viajan artoo y c3po, llegue a tatooine, aparece Luke Skywalker en una duna observando el cielo donde cree ver una batalla, de ahí, se dirige a un taller de reparaciones, donde habla con Biggs Darklighter, él le habla de la rebelión y así Luke quiere abandonar Tatooine y unirse a la rebelión.

Obi-Wan Kenobi, encuentra a Luke y le habla de la fuerza y de su sentido
filosófico, como religión e ideología.

La Fuerza es nombrada como un fanatismo perverso y reaccionario por el senado que rodea a Darth Vader, en la película para el senado es algo ya olvidado.

El valor de la fuerza es explicado y solo es nombrada 9 veces, antes del ataque a la estrella de la muerte, hasta ese momento no se utiliza la frase "que la fuerza te acompañé y en la película esta se usa desde el principio.

Existe una afinidad de sentimiento entre los androides, artoo y c3po, se cuidan entre si, artoo platica en Tatooine con una unidad R2 de color rojo, como si fuera una mujer.

En toda la historia aparecen solo 3 mujeres, una en Tatooine amiga de Luke, la Princesa Leia Organa y una mujer despidiéndose de un soldado antes de ir a pelear a la estrella roja.

Las 2 mujeres funcionan como símbolos, la primera es el contrapunto de la masculinidad puesto que la mayor parte de su vestimenta se encontraba al descubierto, la tercera mujer es la simbolización de la esperanza.

Leia Organa, no tiene chapitas rosas y no usa vestidos largos, es bastante ruda muy guapa y totalmente sexy.

Todo el libro contiene una gran carga de una mitología filosófica en donde la comunidad y el afecto son más importantes.

See treepeo es mucho mas humano y de mejores sentimientos, con un mayor sentido de afinidad y de lealtad.

Imagen vs. Imaginación

La siguiente lista son partes tomadas del libro, en las que podemos ver la calidad narrativa de la historia:

Jawas: parodias de hombre, sus movimientos eran más de roedor que de humano y su altura superaba ligeramente a la de artoo…

Obi-Wan kenobi: Era alto, muy parecido a un hombre viejo, bestia un manto andrajoso y varias túnicas sueltas colgaban junto a varias correas pequeñas, en su rostro arrugado, estaban grabados al agua fuerte los indicios de climas extremos además del desértico, las huellas del frío y la unidad definitivos. Una nariz ganchuda e inquisitiva, como un promontorio…
sable de luz: se compone de un mango corto y grueso, con un par de palanquitas empotradas. Encima del reducido mango había un disco metálico de diámetro apenas mayor que su palma abierta…

Han Solo: joven de marcados rasgos que quizá tenía cinco años más que Luke o una docena, mostró la franqueza de quien se siente plenamente confiado...
Wookies: un rostro casi cómico, el wookie lo era todo menos delicado. Sólo los grandes ojos amarillos y brillantes suavizaban su horripilante aspecto de mono…

Luke y el héroe

Cuando George Lucas escribió Star Wars, para darle una identidad filosófica al mismo y crear personajes que tuvieran una relación de valores, este se baso en
un libro llamado El héroe de las mil caras de Joseph Campbell, donde se estable una teoría que habla del camino de un héroe su evoluciuón y los rituales por los que debe pasar de humano a aprendiz, para pasar a un héroe y terminar como un mistico.
humano: su único fin o lo que lo caracteriza es que tiene metas y deseos, pero no sabe que camino tomar, simplemente espera a que llegue algo que le indique por donde ir, la aparición de Ben Kenobi es una epifanía para Luke ya que comienza a entrenarle y enseñarle el significado de la fuerza, skywalker acepta el precio y las consecuencias que se deben pagar por buscar su deseo.

Aprendiz: se enfrenta a su deseo y este acepta la transferencia de conocimiento y las técnicas para llegar a ser un Jedi, debe tener fe en Kenobi, aceptar con fe ciega y humildad lo que se le enseñe, ser capaz de comprender cuando falle y tener disciplina hasta que el conocimiento se internalice.

Héroe: su búsqueda es simbólica e inconcebible (ideales), el valor esta en el "deber ser" que es, aceptar el precio que se paga por los deseos, aunque siempre hay:
- Saber si la búsqueda la realiza por el valor o por el reconocimiento de la sociedad
- Por Amor
- O que su búsqueda no le sirva, deje de tener sentido que no le sea suficiente o verdadera.

Místico: Obi-Wan Kenobi abandona su búsqueda ya que era externa y la nueva búsqueda se vuelve interna, esta comienza renunciando a, Obi prefiere su realidad que es mas que fuerte que la vida, es mas que el deseo y el placer, se vuelve sabio (conocimiento), explica las cosas y posee el conocimiento, en esta caso es la Fuerza, la fuerza es magia y esta tiene la capacidad de cargar el mundo simbólicamente, de que el mundo actué a tu voluntad

Los libros crean héroes y místicos al igual que las películas, no es necesario tener 1000 músculos, una espada, un armamento o una licencia para matar, existen personas que dan ideas, que dan un sentido a la vida, que pelean con la palabra (Gandhi), que mueven masas y siguen sus ideales (Malcom X, Mao, Lenin), los héroes no son simples fantasías, están presentes somos nosotros, solo debemos dejar que la fuerza este con nosotros.

Sólo despues del desastre podremos resucitar

Generaciones

Maestros con letras inconformes.
Publicado en Revista Marvin

Cada generación tiene una característica particular, que la define y le da un significado frente a las demás. Existieron pensadores que indirectamente lograron cambios radicales en la sociedad, sus palabras y acciones impulsaron un cambio en la ideología de esos momentos. En los cincuenta, nuevas expresiones artísticas e ideológicas nacieron, como el rock y la literatura beat, en el sesenta los obreros y los estudiantes se levantaron y demandaron una sociedad que no fuera un simple espectador. Los años setenta llegaron y un sólo libro, el Matadero cinco, puso fin a la guerra de Vietnam.

Escritores que se han atrevido a criticar y a destrozar los ideales de la gente, a burlarse satíricamente de su gobierno y a juzgar las creencias existentes, a las sociedades bohemias, la teología y la tecnología, visiones diferentes que fueron capaces de ver en los aburridos y tediosos ochenta su singular y característica neurosis que dio por naturaleza, una evolución hacia la psicosis, la adicción al Prozac y el constante y enfermo consumismo de esa época.

Este aburrimiento continuó y llegaron los noventa. El crecimiento de la Internet, de la tecnología, de la moda, de los medios masivos, comprometió y vendió el pensamiento individual que ahora se adquiere a través de la televisión, que manipula de una forma masiva, gustos y deseos y llega el siglo XXI que, como resultado final a todos estos movimientos y cambios generacionales, momento cumbre de la globalización, el postmodernismo habla por si mismo diciendo “ya no queda nada”, donde los mejores elementos de las sociedades son camareros, obreros, constructores y sí, el conformismo ha triunfado.

Los autores de los que a continuación me refiero fueron autores prohibidos y vetados, pero no importó porque sus mensajes sí se escucharon. Las generaciones cambiaron gracias a estos maestros inconformes.

La identidad se desvanece en un espacio vacante
William Burroughs

Con el fin de la segunda guerra mundial y los lanzamientos de la bomba atómica, el mundo estaba en un periodo de reajuste, la juventud necesitaba nuevos ideales, quería dejar atrás el “american way of life” y bajo este contexto surgen los Beats, su propósito era unir el romance con la vida y el existencialismo con la libertad espiritual. Esto derivó en una liberación sexual, una visión tolerante sin racismo y sin discriminación racial y no-teísta que aceptaba cualquier inclinación religiosa, un eclecticismo y el interés por nuevas drogas que conducían a una distinta forma de relacionar las sensaciones humanas.

Los principales Beatniks fueron, Allen Ginsberg, Jack Kerouac y William Burroughs, eclécticos en sus palabras y en sus actos. En el camino (On the Road, 1957), libro escrito por Kerouac, asumió el carácter de un manifiesto juvenil que motivaba a la rebeldía. El almuerzo al desnudo (The Naked Lunch, 1959), de Burroughs, es el sueño, la alucinación de un drogadicto, de un mundo sin futuro que describe lo absurdo de las instituciones y la vida dentro de ellas. Cabe decir que Kurt Cobain confesó ser un gran admirador de esta generación, que es el antecedente a la contracultura de los sesenta.

Demanda lo imposible
Guy Debord

El mundo en que vivimos no es real, dice Guy Debord (Paris, 1931), autor de la Sociedad del espectáculo (1967). Este marxista radical explica, que nuestras experiencias de vida ya no son auténticas, son simples imitaciones de las imágenes televisivas – como los desayunos kellogs que presentaba a una familia perfecta y armoniosa – y de la publicidad. Sus ideas dieron origen a los situacionistas, un grupo radical de artistas, escritores y revolucionarios que buscan dos cosas: la conciencia del deseo y el deseo de la conciencia por la necesidad de desear y la necesidad de pensar a un grado más individual. Su mensaje era claro, el hombre actual no es un actor sino un mero espectador y el situacionista es aquel que busca la interacción social, el diálogo y la renovación del comportamiento. Debord fundó la revista Internacional situacionista y fue uno de los instigadores del movimiento del 68 en Francia, Praga y México. Consideraba necesario trabajar por la construcción consciente y colectiva de una nueva civilización pero ésta nunca llegó y lo orilló al suicidio que incluso cumplió con todos los principios del situacionismo.

No ponga un pie en su trabajo y otro en sus sueños
Kurt Vonnegut

Casi 25 años tardó en escribir el Matadero cinco o la cruzada de los inocentes (1969), Kurt Vonnegut (EUA, 1922), icono de la contracultura norteamericana. Escribió novelas, obras teatrales y cuentos cortos, con fuertes trazos de crítica social y una mezcla de humor y una visión amarga de la realidad. Vetadas sus obras en algunas universidades y preparatorias norteamericanas, tuvo el gusto de ser uno de los escritores fundamentales de los años sesenta y del siglo XX.

Kurt Vonnegut fue prisionero durante la segunda guerra mundial y testigo del bombardeo de la ciudad de Dresden (Alemania), esto lo condujo a escribir su máxima obra, en la que criticó el absurdo de la guerra, la locura de la vida moderna, cuestiones políticas y el por qué de la existencia humana. Este libro se convirtió en el portavoz de los retractores de la guerra de Vietnam. Con su cinismo y su negro sentido del humor dijo: “así que inventé mentiras que me sentaran bien y de este mundo triste conseguí hacer un edén”.
- K.V. murió el pasado 11 de abril, a causa de lesiones cerebrales, él siempre se preguntó, como sería descansar en paz, esperemos lo sepa ahora.

El mundo me saca de quicio
Bret Easton Ellis

El fin de la guerra fría se estaba acercando, llegaba la música pop, E.T. regresa a casa y la sociedad norteamericana es Menos que cero, título del primer libro de Breat Easton Ellis (EUA, 1964), un escritor frío y crudo en sus palabras que refleja la falta de sentimientos, la individualidad, el odio, el desprecio, la antipatía, el asco y la violencia de una sociedad casi muerta de aburrimiento. American Psycho, obra cumbre de este autor, narra la doble vida de un empresario yuppie, que mata por diversión.
Su estilo narrativo es bastante complejo, en él confecciona una telaraña de términos ochenteros –referentes a música, ropa, restaurantes, marcas, etcétera– con la psicosis de una sociedad aburrida. Cada libro es como una enciclopedia pero también es una crítica muy ácida e irónica de la sociedad. En uno de sus libros pregunta “¿cómo puedes decir que todo es hermoso? ¿no te das cuenta de que eso significa que nada lo es?”.

Objetos sencillos para una vida sin complicaciones
Douglas Coupland

De un lado del mundo se cae un muro, en el otro, aparece la generación X, término que proviene del libro homónimo de Douglas Coupland (Alemania, 1961) quien bautizo así a la juventud de los noventa. Su manera de explicar la adolescencia fue devastadora al compararla con personajes sosos y sin gracia, ésta era la clase media, la que vivía en los suburbios, la misma que se enfrentaba a un mundo ingrato que no cumplió con lo que prometió.

Coupland, escribió sobre el impacto de la tecnología (Mac Vs. Microsoft), la religión, las familias disfuncionales, la saturación de la publicidad, de los medios y de las transnacionales. En casi todos sus personajes existe una sola preocupación, la de ser grandes consumidores y no quedarse atrás en una competencia sin ganador y la sociedad de la que él se burla sólo habla de los restos de aquellos ideales que no heredaron de las décadas pasadas.

Yo no soy ninguna excepción, y tampoco creo que lo seas tú
Chuck Palahniuk

Globalización, postmodernismo, religiones, nuevas políticas, todo debe ser explicado, etiquetado y tener un control de calidad, inclusive Dios, comenta Chuck Palahniuk (EUA,1964), autor de Fight Club, la que después llegaría al cine volviéndose una obra de culto y la representación del nuevo grito de quienes pedían un motivo o una señal para entender su entorno. Pero el verdadero motivo es comprender que no es necesario tener una explicación para todo.

Palahniuk, abandonó el periodismo y trabajó en internados, psiquiátricos, restaurantes, bodegas, fábricas, en la construcción y otros. Esto lo llevó a narrar la psicopatología cultural latente, crear héroes demasiado comunes y muy humanos y con lo irónico de sus frases inspira a la gente a cruzar ciertas líneas que uno nunca se atrevería a cruzar. Sus utopías, sus sueños en los que él pretende crear una generación que intente destruir la cultura actual extendiendo su propia infección contagiosa, una plaga de nuevas ideas. Pero la realidad es que el mundo es “imperfecto y desmadrado, así es el mundo en el que vivo. Tan lejos como estoy de Dios, ésta es la gente con la que me he quedado. Todo el mundo a la caza del poder”.

Las letras y los discursos de estos autores son susurros a las respuestas que uno busca. La música, el arte y la literatura han transgredido lo prohibido, estos no son los únicos que se atrevieron a hacerlo, Walt Whitman, Henry Miller, J.G. Ballard, Jean Baudrillard, Albert Camus, Slavoj Zizek, Walter Benjamín, el Marques de Sade, Séneca, Herbert Marcusse, Georges Bataille, Carlos Marx y otros. No importan las épocas, estas palabras nunca morirán y serán malditas mientras haya quien las lea, porque los libros siempre serán referencias de otros libros, sólo hay que tener cuidado en comprender correctamente lo que estamos leyendo.
Sólo despues del desastre podremos resucitar

Roman Gubern

Educación, cine y postmodernidad con Román Gubern
Publicada en Revista Replicante


La sociedad hoy en día ha sido educada a través de los medios audiovisuales, la cinematografía y la televisión han marcado esta pauta y demostrado que, “Cuando todo es posible, ya nada produce asombro” esta sentencia viene de Román Gubern crítico, filosofo e historiador de cine y en entrevista nos comenta “estamos formados en el lenguaje audiovisual pero no tenemos nociones de cómo se formó ni de cómo se realiza”.

Con esto se refiere a las nuevas generaciones en especial a los niños y a los adolescentes, qué hay de ellos, y responde, llevo años en una cruzada particular con poco éxito –no me hacen mucho caso– de insistir en que hay que introducir en la escuela la enseñanza crítica de la imagen para que los niños aprendan a leerla críticamente. Y me contestan que los niños ya nacen con el televisor en la sala de estar, antes ya van absorbiéndolo. Bueno, van absorbiéndolo pero no saben defenderse críticamente contra la agresión publicitaria o reconocer lo que es una metáfora, una metonimia, un símbolo; los sistemas de connotación a través de la imagen, el punto de vista de la cámara, la iluminación, el color, la gramática audiovisual. Y creo que eso debe introducirse porque en el siglo XXI, llamado la civilización o la cultura de la imagen, el niño no sólo debe aprender a leer críticamente la imagen y aprender a defenderse de su agresión en muchos casos o a leerla entre líneas como uno lee un artículo o crónica política, sino también producir imágenes. Hoy día tenemos un equipo barato, versátil, ligero, portable, tenemos el bolígrafo audiovisual.

- ¿Qué significa este bolígrafo audiovisual?
Alain Touraine decía, en los años cincuenta llegará un día en que la cámara de cine será como el bolígrafo que usamos hoy. Ese día ha llegado, el precio, la simplicidad, la versatilidad de las cámaras, permiten que sea el bolígrafo audiovisual. Por tanto hay que enseñar al niño no únicamente a leer críticamente la imagen sino al igual que se les enseña a escribir, hay que enseñarles a escribir con imágenes porque estamos en el siglo de la imagen.

La imagen y la escritura tienen funciones distintas, pero se complementan, ¿cuál es la importancia de esta unión?
- Si veo en un telediario, un atentado político en la India, caramba, esa imagen es hiperdramática y emotiva, miro la sangre, la gente corriendo y los gritos. Pero esa imagen no me explica el porqué, cómo se fraguo, qué consecuencias tendrá el atentado a corto y largo plazo, para conocer esto he de recurrir al análisis de un artículo de fondo del periódico que me explique las razones profundas: quién lo organizó, cómo se planeó, que efectos va a tener a corto y mediano plazo. La imagen es sensitiva y por tanto de un gran poder emocional y la palabra escrita no me dará ese dramatismo nunca. Pero la palabra escrita me dará el logos, la comprensión, el razonamiento de por qué, como y cuándo se ha producido este asunto…, y complementa, la palabra mediante el logos de la razón y la imagen privilegia la emoción y lo sensitivo de la percepción.

El cine siempre intenta crear una catarsis en el público y en esto la imagen es lo más importante, cómo percibe usted estos procesos de evolución en la cinematografía.
- el cine primitivo era tosco y no había generado una gramática, era una imagen en plano general con muchas acciones simultáneas, con quince personajes que se mueven a la vez y no hay una jerarquización de encuadres, montaje, es un galimatías, y hacía falta que alguien estuviese en la sala diciendo: “fíjense ustedes cómo el conde va a envenenar a la condesa” este era llamado “el explicador”, continua. Yo nací con el cine sonoro. Yo soy niño de la guerra civil y viví mi infancia en la posguerra, y en el cine franquista también se importaban películas americanas y francesas con una censura muy severa. Usted se educo con el cine?

- Cuando yo empecé a ir al cine en ese momento la Alemania nazi era aliada de Franco y veíamos mucho cine alemán, como cosa diferencial de lo que ocurría en Estados Unidos, pero a partir de Stalingrado el cine americano subió y se convirtió en el hegemónico. Esa fue una educación silvestre, nos metíamos al cine por evadirnos de una realidad muy ingrata. La educación sentimental, los primeros cosquilleos eróticos, la actriz, las películas de Las mil y una noche, las odaliscas con unos velos nos daban unas sensaciones que te bullían dentro.

Yo antes contaba que Anita Luz, la guionista y novelista de inicios del siglo –el XX– contaba que su generación se educó sentimentalmente viendo las películas y cuando habían besos se fijaban bien que la chica cerraba los ojos, que inclinaba la cabeza, para copiarlo luego. Y aprendían lo que el chico dice, lo que la chica contesta, si le coge la mano. Claro que eso, hoy día, se ha acabado con el Internet porque una chica de trece años navegando se puede topar de pronto con una triple penetración que no es lo mismo que un beso en blanco y negro.

Entonces el Internet es un nuevo educador, una mezcla de nuevos medios de nuevos mundos, qué hay de este, qué hay de la postmodernidad de la creación de nuevos canones?.
La postmodernidad es el principio de todo vale. El arte se ha basado tradicionalmente en cánones, el del renacimiento, el del rococó, el del barroco, pero el de la postmodernidad es la anomia, la falta de norma, de canon.

Yo cada semana leo la revista Science, no porque la entienda, y la complejidad de las propuestas de la física contemporánea es tan grande que te das cuenta que matar al padre es necesario, romper con los cánones establecidos porque tú no puedes innovar si no imaginas. Se cuenta que Albert Einstein la primera idea de la relatividad le vino porque se imaginó a sí mismo corriendo detrás de un rayo de luz que no alcanzaba nunca. Si no tienes la mente abierta a nuevas propuestas, jamás podrás avanzar, es el problema de los paradigmas, el de Einstein como estuvo el de Newton o el de Copernico, como la teoría de la súper cuerda. Y eso avalaría que es bueno romper cánones, porque si no lo haces no rompes el paradigma y la ciencia ha estado cambiándolos.
Sólo despues del desastre podremos resucitar